Sergio Asti est une figure importante du design italien de la seconde moitié du XXᵉ siècle, reconnu pour une œuvre où l’architecture, l’objet et l’industrie dialoguent dans une recherche constante d’équilibre entre innovation et élégance formelle. Formé à l’architecture auprès de Gio Ponti, il développe dès les années 1950 une approche attentive aux matériaux, aux usages et à la qualité des formes, participant au renouvellement du design italien moderne. Sa collaboration avec Bilumen donne naissance à plusieurs luminaires emblématiques, parmi lesquels le lampadaire Trifoglio, conçu dans les années 1970. Caractérisé par une silhouette sculpturale et une construction fondée sur la répétition d’éléments diffusants, Trifoglio illustre son intérêt pour une lumière à la fois fonctionnelle et expressive. Produite dans un contexte d’expérimentation propre au design italien de cette période, cette pièce rare témoigne de la capacité de Sergio Asti à transformer un objet technique en une présence architecturale et poétique. Son œuvre figure aujourd’hui dans les collections des principales institutions consacrées au design du XXᵉ siècle.

Depuis 2017, Baptiste Sévin et Jaïna Ennequin forment l'atelier Baptiste&Jaïna.

Gae Aulenti et Livio Castiglioni comptent parmi les figures majeures du design italien de la seconde moitié du XXᵉ siècle. Architectes et designers, ils développent chacun une approche singulière du projet, fondée sur la recherche d’un équilibre entre fonctionnalité, innovation technique et qualité esthétique. Leurs collaborations communes témoignent d’un dialogue fécond entre la rigueur conceptuelle de Livio Castiglioni et la sensibilité spatiale de Gae Aulenti, donnant naissance à des objets où la forme, l’usage et la lumière entretiennent une relation étroite. Leur gamme de luminaires Trepiù, conçue pour Stilnovo dans les années 1970, illustre cette approche par sa construction géométrique, sa grande flexibilité d’usage et son élégance intemporelle. Rare exemple de création signée à quatre mains, cette collection témoigne de l’effervescence créative du design italien de cette période et de leur capacité commune à transformer un objet fonctionnel en une véritable expression architecturale. Aujourd’hui recherchés par les collectionneurs, leurs luminaires occupent une place importante dans l’histoire du design italien moderne.

Riccardo Aurili, également connu sous le nom de Richard Aurili, est un sculpteur italien de la fin du XIXᵉ et du début du XXᵉ siècle, héritier de la tradition académique florentine. Formé à l’Académie des beaux-arts de Florence, il développe une œuvre caractérisée par la maîtrise du modelé, la précision anatomique et une grande sensibilité dans la représentation de la figure humaine. Actif en Italie, en France et en Belgique, il participe aux grands courants de la sculpture européenne de son époque, réalisant des bustes, des figures allégoriques, des œuvres monumentales et des sculptures décoratives. Son travail témoigne d’un dialogue entre l’héritage classique italien et les évolutions esthétiques de la fin du XIXᵉ siècle, notamment dans ses compositions inspirées de la mythologie, de l’histoire et de la nature. Certaines de ses œuvres éditées en petites séries témoignent également du rapprochement entre sculpture et arts décoratifs, caractéristique de cette période. Aujourd’hui recherchées par les collectionneurs, ses sculptures illustrent la richesse d’une production située entre tradition académique, raffinement décoratif et expression artistique.

Issu d’une formation en électrotechnique puis aux Beaux-Arts et à l’ENSAAMA Olivier de Serres, le designer engage sa pratique dans des situations de recherche et consacre son travail à l’alliance des techniques et de l’art, propre aux arts appliqués, dans un souci constant d’économie de moyens et de légèreté.

Dimitri Bähler vit et travaille à Biel en Suisse. Après des études à l'ECAL (University of arts and design in Lausanne) et DAE (Design Academy Eindhoven), Dimitri ouvre son studio en 2014.

Designer néerlandais, Aldo Bakker développe une œuvre qui interroge les conventions du design et la relation entre forme, fonction et usage. Refusant de considérer l’objet comme un simple instrument, il conçoit chacune de ses créations comme une présence autonome, dotée de sa propre logique. Ses pièces se caractérisent par des volumes continus, des lignes tendues et une économie formelle qui dissimule souvent une grande complexité de conception et de fabrication. La fonction n’y est jamais entièrement donnée : elle se découvre dans la manipulation et engage le corps dans une relation nouvelle avec l’objet. Bois, pierre, métal, verre, céramique ou laque participent pleinement à cette recherche, leurs propriétés déterminant autant la perception que l’usage. Entre familiarité et étrangeté, équilibre et tension, le travail d’Aldo Bakker renouvelle ainsi le vocabulaire de l’objet domestique. Présentée dans de nombreuses institutions internationales, son œuvre figure notamment dans les collections du MoMA et du Centre Pompidou.

Forts Elric Petit, Grégoire Jeanmonod et Augustin Scott de Martinville se rencontrent à l'ECAL et fondent le studio de design Big-Game.

Cini Boeri est une figure majeure du design italien de la seconde moitié du XXᵉ siècle, reconnue pour une approche fondée sur la recherche d’un équilibre entre fonctionnalité, innovation technique et qualité sensible de l’espace. Formée à l’architecture, elle développe une œuvre où le mobilier, l’aménagement intérieur et le design industriel s’inscrivent dans une réflexion globale sur les usages et les relations entre l’objet et l’utilisateur. Son travail sur le luminaire témoigne de cette même exigence, explorant la lumière comme un élément architectural capable de transformer la perception des espaces. Sa lampe Brontes, créée pour Artemide dans les années 1970, illustre cette recherche par sa forme sculpturale, son caractère intemporel et son approche innovante de la diffusion lumineuse. Produite dans un contexte d’expérimentation formelle et technique propre au design italien de cette période, elle constitue aujourd’hui une pièce recherchée par les collectionneurs. À travers ses créations, Cini Boeri a contribué à renouveler le langage du design contemporain en conciliant rigueur architecturale, poésie des formes et attention portée à l’expérience humaine.

Ronan Bouroullec et Erwan Bouroullec occupent une place majeure dans l'histoire du design contemporain. Depuis la fin des années 1990, leur pratique s'étend du mobilier aux luminaires, des objets aux installations, en passant par l'aménagement intérieur et le dessin, envisagé comme un champ de recherche à part entière. Leur travail se distingue par une réflexion sur les systèmes, la modularité et les relations entre l'objet, l'espace et l'usager, conciliant innovation technique, exigence constructive et économie de moyens. À travers leurs collaborations avec les principaux éditeurs internationaux, ils ont profondément contribué au renouvellement du design français sur la scène internationale. Leurs œuvres figurent dans les collections permanentes des plus grandes institutions dédiées à l'art, au design et à l'architecture, et font régulièrement l'objet d'expositions monographiques.

Diplômé de l’ENSCI-Les Ateliers et des Beaux-Arts de Nîmes, Pierre Charrié s’est forgé une solide expérience en design produit en collaborant avec des agences de création pour des clients variés. 

Pierre Chenet est un sculpteur français reconnu pour une œuvre profondément inspirée par le monde animal et par l’observation sensible des formes du vivant. Formé dans la tradition de la sculpture classique, il développe un langage personnel où la précision anatomique dialogue avec une recherche de simplification et d’expression. Ses sculptures animalières, réalisées principalement en bronze, témoignent d’une grande maîtrise du modelé et d’une attention particulière aux attitudes, aux mouvements et à la présence des animaux. À travers chevaux, oiseaux, félins ou animaux sauvages, Pierre Chenet cherche moins la représentation naturaliste que la transmission d’une force intérieure, d’une tension ou d’une émotion propre à chaque espèce. Son travail s’inscrit dans la continuité de la grande tradition française de la sculpture animalière tout en affirmant une écriture contemporaine, épurée et sensible. Ses œuvres, produites en séries limitées et recherchées par les collectionneurs, témoignent d’un dialogue constant entre observation du réel, maîtrise technique et poésie de la forme.

Sébastien Cordoleani est né en France en 1978 Il est diplômé de l’ENSCI Les Ateliers Saint Sabin en 2004. Il vit est travaille à Barcelone, Aix en Provence et Paris.

Niels van Eijk est une figure singulière du design néerlandais contemporain, reconnu pour une approche expérimentale où se rencontrent artisanat, innovation et détournement des formes familières. Formé au design industriel, il développe avec Mireille van Eijk une pratique qui explore les frontières entre objet fonctionnel, sculpture et narration. Associé au mouvement du design néerlandais des années 1990, notamment à travers ses collaborations avec Droog Design, il participe au renouvellement du langage du design contemporain par une approche critique et poétique de l’objet. Sa Cow Chair, conçue au début des années 1990, illustre cette démarche radicale : en transformant une peau de vache en revêtement structurel d’un siège, elle interroge avec humour et provocation les relations entre nature, artisanat, industrie et consommation. Produite en série limitée, cette pièce devenue rare témoigne de l’importance de l’expérimentation dans le design néerlandais et occupe une place particulière dans l’histoire récente du mobilier contemporain.

En Bande Organisée a été fondé en 2011 par les trois designers Pauline Deltour, Anne-Laure Gautier, Gwenaëlle Girard. 

Né en 1984, Jean-Baptiste Fastrez vit et travaille à Paris. Il a remporté le Grand Prix 2011 du jury Design Parade 6 à Villa Noailles (Hyères, France). 

Alan Fletcher est l’une des figures majeures du design britannique de la seconde moitié du XXᵉ siècle. Formé à Londres puis aux États-Unis, il développe une approche singulière où le graphisme, la communication visuelle et le design d’objet se nourrissent mutuellement. Cofondateur de l’agence Pentagram, il défend une conception humaniste du design, fondée sur la simplicité, l’intelligence formelle et la capacité des objets à susciter une relation sensible avec l’utilisateur. Parmi ses créations emblématiques, le cendrier-vide poche Clam, conçu pour l’éditeur italien Mebel dans les années 1970, illustre son goût pour les formes à la fois fonctionnelles et ludiques. Composé de deux coques identiques qui s’assemblent ou s’utilisent séparément, cet objet en mélamine témoigne de son intérêt pour la modularité, la couleur et l’expressivité des matériaux. À la croisée du design industriel et de la culture graphique, l’œuvre d’Alan Fletcher continue d’influencer la création contemporaine.

Formafantasma est un studio de design fondé par Andrea Trimarchi et Simone Farresin, reconnu pour une pratique située à la croisée du design, de la recherche et de l’écologie. Depuis sa création, le duo développe une approche critique du projet, explorant les relations entre culture, environnement, matériaux et systèmes de production. Leurs premières collections, notamment Autarchy et Botanica, ont marqué l’histoire récente du design contemporain par leur capacité à questionner les modèles industriels et notre rapport aux ressources naturelles. Présentée en 2010, Autarchy explore l’usage de matériaux organiques issus de ressources renouvelables, tandis que Botanica (2011) propose une réflexion prospective sur l’évolution des matériaux plastiques et leur relation avec le monde végétal. À travers une démarche expérimentale et engagée, Formafantasma développe une œuvre où l’objet devient un outil de recherche et de réflexion sur les enjeux contemporains. Leurs créations figurent aujourd’hui dans les collections des plus grandes institutions internationales consacrées à l’art et au design.

Gianfranco Frattini est l’une des figures importantes du design italien de la seconde moitié du XXᵉ siècle. Architecte de formation, il développe une œuvre caractérisée par une grande rigueur constructive, une attention aux proportions et une recherche constante d’équilibre entre fonctionnalité, élégance et qualité des matériaux. Acteur majeur du mouvement du design italien moderne, il contribue à définir un langage où la précision du détail et la maîtrise technique occupent une place essentielle. Sa collaboration avec Cassina, initiée dans les années 1960, donne naissance à plusieurs pièces emblématiques du mobilier contemporain. Les tables basses 780 illustrent parfaitement cette démarche : leur dessin épuré, leurs lignes équilibrées et leur exécution raffinée témoignent d’une conception du meuble comme une architecture à petite échelle. Réalisées en hêtre teinté et verni avec des plateaux en mélaminé, ces tables témoignent de l’attention portée par Frattini aux matériaux et aux procédés de fabrication. Aujourd’hui recherchées par les collectionneurs, elles incarnent l’excellence du design italien et la modernité intemporelle de son approche.

Émile Gallé est l’une des figures majeures des arts décoratifs français de la fin du XIXᵉ siècle et un acteur essentiel du mouvement Art nouveau. Artiste, ébéniste, céramiste et maître verrier, il développe une approche globale de la création où mobilier, objets décoratifs et architecture intérieure participent d’un même langage esthétique. Dans son travail du meuble, Gallé renouvelle profondément les traditions de l’ébénisterie en associant innovation technique, recherche formelle et inspiration naturaliste. Ses pièces, souvent réalisées en bois précieux marqueté et sculpté, témoignent d’un dialogue subtil entre structure, ornement et symbolisme, où chaque motif végétal devient porteur d’une dimension poétique. À la tête de l’atelier de Établissements Gallé, il développe une production d’une grande exigence technique, faisant du mobilier un véritable support d’expression artistique. Ses créations, rares et précieuses, occupent aujourd’hui une place majeure dans les collections internationales consacrées aux arts décoratifs et à l’histoire du design.

Karl Gerstner est une figure majeure de l’art concret et du design graphique suisse de la seconde moitié du XXᵉ siècle. À la croisée de l’art, de la science et de la communication visuelle, il développe une œuvre fondée sur l’étude des systèmes, de la couleur, de la perception et des relations entre ordre et variation. Graphiste, peintre et théoricien, il contribue au renouvellement du langage visuel contemporain en explorant des structures modulaires et des compositions génératives. Sa série Color Sound, présentée à la Galerie Denise René dans les années 1970, témoigne de ses recherches sur les correspondances entre perception chromatique, rythme et mouvement. Ces œuvres, conçues comme des expériences visuelles organisées selon des principes combinatoires, prolongent son intérêt pour une création où la méthode devient un outil d’invention. Son travail, conservé dans de nombreuses collections internationales, occupe une place essentielle dans l’histoire de l’art concret, du graphisme et du design.

Benjamin Graindorge est l'un des jeunes talents du design français. Diplômé de l'ENSCI les Taliers en 2006, son projet Paysage domestique a fait l'objet d'une aide du VIA en 2007.

Née en 1976, Constance Guisset est une designer française qui vit et travaille à Paris.

René Herbst est l’un des pionniers du design moderne en France et une figure essentielle du mouvement rationaliste de l’entre-deux-guerres. Architecte et designer, il participe dès les années 1920 au renouvellement des formes domestiques en défendant une esthétique fondée sur la fonctionnalité, l’innovation technique et l’usage de matériaux industriels. Membre fondateur de l’Union des Artistes Modernes aux côtés de créateurs tels que Robert Mallet-Stevens, il œuvre à promouvoir un mobilier adapté aux modes de vie contemporains. Ses créations, notamment ses sièges en métal tubulaire et ses meubles aux lignes épurées, témoignent d’une recherche constante entre ergonomie, rationalité constructive et modernité. Son travail a profondément marqué l’histoire du design français et figure aujourd’hui dans les collections des principales institutions consacrées à l’art moderne et au design.

Vittorio Introini est une figure importante du design italien de la seconde moitié du XXᵉ siècle, reconnu pour une approche du mobilier fondée sur la rigueur architecturale, la précision constructive et la recherche d’une fonctionnalité élégante. Formé à l’architecture, il développe une œuvre où la maîtrise des volumes, la rationalité des structures et l’attention portée aux détails témoignent d’une conception globale de l’objet. Sa longue collaboration avec Saporiti Italia, à partir des années 1960, constitue un chapitre majeur de sa carrière et participe au renouvellement du mobilier italien contemporain. Sa gamme de meubles de rangement Pellicano illustre cette démarche par ses compositions géométriques, ses proportions équilibrées et la sophistication de ses solutions constructives. Réalisées avec un grand soin des matériaux et des finitions, ces commodes et enfilades témoignent d’un design à la fois fonctionnel et sculptural. Produites en quantités limitées, les pièces Pellicano sont aujourd’hui recherchées pour leur rareté et leur importance dans l’histoire du design italien.

Peintre autodidacte français, il travaille essentiellement à l'acrylique et au pastel gras et ses supports vont de la toile au papier, en passant par le mur, le bois ou l'installation.

Shiro Kuramata est l’une des figures les plus importantes du design japonais de la seconde moitié du XXᵉ siècle. À la croisée du design, de l’architecture et de l’art, il développe une œuvre singulière fondée sur la légèreté, la transparence et la remise en question des conventions du mobilier traditionnel. Influencé par la culture japonaise autant que par les avant-gardes occidentales, il explore les potentialités expressives de matériaux innovants tels que l’acrylique, le verre et les résines synthétiques, transformant les objets du quotidien en véritables expériences sensibles. Sa chaise Sing Sing Sing, réalisée en 1985, illustre cette recherche par sa structure aérienne et son dialogue entre technologie industrielle et poésie formelle. Ses Flower Vase #2 et Flower Vase #3 témoignent quant à eux de son approche sculpturale de l’objet, où la transparence du matériau semble suspendre la fonction au profit d’une expérience visuelle. Produites en séries limitées, ces créations rares et recherchées incarnent l’extrême raffinement d’un designer qui a profondément renouvelé le langage du mobilier contemporain. Son œuvre figure aujourd’hui dans les collections des plus grandes institutions internationales consacrées au design et à l’art moderne.

Illustrateur né en Finlande, Kustaa Saksi vit et travaille aujourd'hui à Paris. 

Depuis 2008, Les Graphiquants s’accordent sur l’élaboration de signes graphiques, abstraits, poétiques, exigeants, typographiques, noirs et blancs, colorés parfois, sensibles, sensés et raisonnés, construits avec un rien de maniérisme.

Née en 1964 à Paris. Son travail mixe différentes techniques et médiums et s'inspire de ses voyages, de jouets anciens et de gravures d'animaux et de fleurs vintages.

Greg Lynn est une figure majeure de l’architecture contemporaine, reconnue pour son approche expérimentale fondée sur les relations entre formes, technologies numériques et nouveaux modes de conception. Architecte, théoricien et enseignant, il développe dès les années 1990 une pensée architecturale qui explore les potentialités de la modélisation informatique, des géométries complexes et des processus de fabrication innovants. À la croisée de l’architecture et du design, son travail interroge la manière dont les objets et les espaces peuvent évoluer à partir de systèmes génératifs. La collection de sièges Ravioli, conçue pour Vitra en 2004, illustre cette recherche par son approche radicale du mobilier, transformant une technologie de production industrielle en une forme organique, souple et enveloppante. Réalisée en mousse injectée recouverte de tissu extensible, cette série témoigne de son intérêt pour la fusion entre structure, matière et usage. Son œuvre, conservée et exposée dans de nombreuses institutions internationales, a contribué à redéfinir les frontières entre architecture, design et technologie.

Enzo Mari est l’une des figures les plus influentes du design italien du XXᵉ siècle, reconnu pour une pratique fondée sur la recherche, la simplicité constructive et une réflexion critique sur la fonction de l’objet. Artiste, designer et théoricien, il développe une œuvre où la rigueur du projet s’associe à une profonde attention aux usages, aux matériaux et aux processus de fabrication. Sa collaboration avec Danese Milano, à partir des années 1960, constitue un chapitre essentiel de son parcours et donne naissance à des objets devenus emblématiques du design italien moderne. Ses séries de vases Bambu et Trifoglio illustrent cette approche par des formes essentielles inspirées du monde naturel, où Mari explore les relations entre fonction, perception et composition. Plus tard, son coffret Ecolo conçu pour Alessi prolonge cette réflexion radicale sur le statut de l’objet : en proposant de transformer des bouteilles en plastique recyclées en vases, il questionne la valeur du geste créatif, la place de l’utilisateur et les modes de production du design. À travers ces projets, Enzo Mari affirme une vision exigeante d’un design accessible, responsable et porteur de sens. Ses œuvres figurent aujourd’hui dans les collections des plus grandes institutions internationales consacrées à l’art et au design.

Dylan Martorell est un artiste et musicien basé à Melbourne, en Australie.

Plasticienne, photographe, brodeuse, vit et travaille à Paris. 

Architecte et designer italien actif à Milan, Sergio Moscheni développe à partir de la fin des années 1960 une pratique qui associe architecture, mobilier et surtout création de luminaires. Enseignant au Politecnico di Milano et à la tête de son propre bureau, il conçoit la lampe non comme un simple objet décoratif, mais comme une structure spatiale où technique, lumière et construction deviennent indissociables.

Son travail pour Selenova illustre particulièrement cette approche. Conçu vers 1970, le lampadaire Calle se compose de longues tiges métalliques verticales réunies à leur base et portant chacune une source lumineuse. Selon les versions, leur nombre varie, donnant à l’ensemble l’apparence d’un bouquet abstrait ou d’une architecture végétale. Les éléments métalliques assurent à la fois le rôle de structure et de conducteur électrique, réduisant le luminaire à quelques composantes essentielles : la ligne, l’énergie et la lumière.

Dépourvu d’abat-jour traditionnel, Calle inscrit directement les sources lumineuses dans l’espace. La répétition et la finesse de ses tiges lui confèrent une présence sculpturale et graphique, tandis que sa conception modulaire rapproche l’objet d’un système ouvert plutôt que d’une forme figée.

Avec d’autres créations comme Giraffa, Moscheni poursuit cette réflexion sur la mobilité et l’organisation de la lumière. Calle demeure l’une des expressions les plus radicales de son travail et témoigne pleinement de l’esprit expérimental du design italien des années 1970.

Ishii Motoko est une figure pionnière du design lumière japonais et l’une des premières créatrices à avoir élevé l’éclairage au rang de discipline artistique et architecturale autonome. Après une formation au Japon et un séjour d’études en Europe, elle développe à partir des années 1960 une approche fondée sur la maîtrise de la lumière comme élément spatial, capable de révéler les volumes, de modifier les perceptions et de créer de nouvelles expériences sensibles. Ses recherches donnent naissance à des luminaires et des installations où la technologie, la rigueur formelle et la poésie lumineuse se rencontrent. Ses collaborations avec des éditeurs internationaux, notamment Yamagiwa au Japon et Staff Leuchten en Europe, contribuent à diffuser une nouvelle conception de l’éclairage domestique et architectural. Parallèlement à ses projets monumentaux et urbains réalisés à travers le monde, son œuvre éditée témoigne d’une réflexion constante sur l’équilibre entre fonction, émotion et espace. Aujourd’hui reconnue comme une référence majeure du design lumière contemporain, Motoko Ishii a profondément influencé plusieurs générations de créateurs.

Carlo Nason est l’un des créateurs majeurs du luminaire italien en verre de Murano de la seconde moitié du XXᵉ siècle. Héritier d’une longue tradition familiale liée à l’art verrier vénitien, il développe une approche singulière où la maîtrise des techniques ancestrales du verre soufflé s’associe à une recherche constante sur la forme, la lumière et la matière. Collaborant notamment avec A.V. Mazzega, il conçoit dans les années 1960 et 1970 des luminaires devenus emblématiques, caractérisés par la pureté de leurs volumes, la richesse des effets de transparence et la virtuosité de leur fabrication artisanale. Les modèles LT 316 et LT 354 illustrent cette période d’exception : composés d’éléments en verre de Murano travaillés à la main, ils témoignent d’une recherche sophistiquée sur la diffusion de la lumière et la composition sculpturale. Produites en quantités limitées, ces pièces rares et précieuses incarnent le dialogue unique entre design industriel et savoir-faire verrier, faisant aujourd’hui partie des créations les plus recherchées par les collectionneurs de design italien du XXᵉ siècle.

Designer néerlandais né en 1975, Bertjan Pot vie désormais à Rotterdam

Jakob Robertsson est l'un des plus grands céramistes suédois contemporains. 

Afra Scarpa et Tobia Scarpa occupent une place essentielle dans l'histoire du design italien d'après-guerre. Formés à l'architecture, ils développent à partir des années 1960 une œuvre qui conjugue culture du projet, maîtrise technique et profonde connaissance des matériaux. Refusant toute opposition entre production industrielle et savoir-faire artisanal, ils conçoivent un mobilier, des luminaires et des objets où l'intelligence constructive, la précision des assemblages et l'expressivité des matériaux déterminent la forme. Leurs créations, réalisées pour les plus grands éditeurs italiens, ont contribué à définir une nouvelle modernité, alliant innovation, fonctionnalité et pérennité. Récompensé par de nombreuses distinctions, leur travail exerce une influence durable sur plusieurs générations de designers et figure aujourd'hui dans les collections permanentes des principales institutions internationales consacrées au design et à l'architecture.

Inga Sempé, designer française, conçoit des objets et du mobilier en Italie et en France.

Maarten Van Severen est l’une des figures majeures du design belge contemporain. Formé aux arts et à l’architecture, il développe dès les années 1980 une approche radicale du mobilier fondée sur la recherche de l’essentiel, la réduction formelle et l’exploration des qualités intrinsèques des matériaux. Son travail se caractérise par une grande rigueur constructive, une attention portée à l’ergonomie et une volonté de concevoir des objets durables, débarrassés de tout élément superflu. Sa chaise N°2, conçue au début des années 1990, et sa gamme de luminaires U Line réalisée pour Light comptent parmi les créations les plus représentatives de cette période de recherche. Produites en séries limitées et aujourd’hui devenues rares, ces pièces témoignent d’une phase expérimentale essentielle de son parcours, avant ses collaborations internationales avec de grands éditeurs. Par leur extrême sobriété, leur précision constructive et leur qualité intemporelle, elles illustrent la vision singulière d’un designer qui a profondément renouvelé le langage du mobilier contemporain. Ses œuvres figurent aujourd’hui dans les collections des principales institutions internationales consacrées au design.

Wieki Somers est une figure majeure du design néerlandais contemporain, reconnue pour une approche singulière où se rencontrent poésie, innovation matérielle et observation du quotidien. Formée à la Design Academy Eindhoven, elle développe une pratique expérimentale qui explore les relations entre objet, environnement et perception, en détournant les usages familiers pour révéler de nouvelles expériences sensibles. Son travail, situé à la frontière entre design industriel et création artistique, se caractérise par une attention particulière portée aux matériaux, aux techniques de fabrication et aux phénomènes naturels. Sa série de vases Blossom, réalisée au début des années 2000, illustre cette démarche par une réinterprétation contemporaine du vase comme objet vivant et évolutif : inspirées par les formes organiques de la nature, ces pièces associent fonctionnalité et dimension sculpturale. Produites en séries limitées, les créations de Wieki Somers témoignent d’un design où l’expérimentation devient un moyen d’interroger notre relation aux objets et au monde qui nous entoure. Son œuvre figure aujourd’hui dans les collections des principales institutions internationales consacrées au design contemporain.

Ettore Sottsass est l’une des figures les plus influentes du design italien du XXᵉ siècle. Architecte, designer et artiste, il développe une œuvre profondément expérimentale qui remet en question les frontières entre art, objet et architecture. Dès les années 1950, il explore les possibilités expressives de la céramique, utilisant la couleur, la forme et la matière comme des moyens de questionner la fonction symbolique des objets. Ses vases et ses objets en céramique témoignent d’une approche libre et poétique, où l’objet domestique devient un support d’expression, de recherche et de réflexion. À travers ses créations en céramique, il affirme une vision du design éloignée de la seule fonctionnalité, privilégiant l’émotion, le récit et la capacité des objets à créer une relation sensible avec l’utilisateur. Fondateur du groupe Memphis, Sottsass a profondément transformé la conception du design contemporain, laissant une œuvre majeure conservée dans les plus grandes collections internationales.

Le duo du design se construit grâce à l'échange et le dialogue pour garder un esprit ouvert à la réflexion. Quand la poésie, les matériaux et les forment s'expriment avec sensibilité.

Tado, c'est Mike et Katie, deux graphistes basés à Sheffield en Angleterre. 

Giusto Toso est un designer italien dont l’œuvre s’inscrit dans la grande tradition du luminaire en verre de Murano. Actif à partir des années 1970, il participe au renouvellement du design d’éclairage italien en explorant les possibilités expressives du verre soufflé, entre transparence, diffusion de la lumière et recherche formelle. Collaborant notamment avec Leucos, il développe des luminaires où la maîtrise des techniques verrières artisanales dialogue avec les exigences de la production contemporaine. Ses créations se distinguent par une approche sobre et élégante, fondée sur l’équilibre entre matière, lumière et architecture. L’applique Panta illustre cette recherche par son dessin épuré et son travail subtil sur la présence lumineuse du verre, caractéristiques d’un design italien attentif à la qualité des matériaux et à la dimension atmosphérique de l’éclairage.

Ionna Vautrin est née en France en 1979. Elle est diplômée de l’école de design Nantes Atlantique en 2002. Elle vit et travaille à Paris.

Marc venot est né en 1979.
D'abord diplomé en mathématiques et physique il étudie le design de 1999 à 2004 à l'École Nationale Supérieure de Création Industrielle
( ENSCI / Les Ateliers - Paris ).

Frank Lloyd Wright est l’une des figures les plus influentes de l’architecture moderne du XXᵉ siècle. Défenseur d’une conception organique de l’habitat, il développe une approche globale du projet dans laquelle architecture, mobilier, arts décoratifs et environnement forment un ensemble cohérent. Dès le début de sa carrière, il conçoit lui-même les meubles destinés à ses réalisations, considérant le mobilier comme un prolongement naturel de l’espace architectural. Ses créations, caractérisées par la pureté géométrique des lignes, la qualité des matériaux et une attention constante aux usages, comptent parmi les contributions majeures au design américain. À travers des pièces emblématiques réalisées pour ses maisons et ses bâtiments, il établit un langage formel durable qui influencera plusieurs générations de designers. Son œuvre, conservée dans les plus grandes collections internationales, témoigne d’une vision fondatrice où l’objet participe pleinement à l’expérience architecturale.